1990年代以降、社会参加型アートは世界的に拡張し、その実践形態は対抗や再演から、コミュニティ協働・対話に至る多様な実践を呈してきた。こうした芸術界における「社会的転回（social turn）」をめぐり、本稿はブリオーの「関係性の美学」、ビショップの「敵対性の美学」、ケスターの「対話型アート」の理論的論争を手がかりとして、社会参加型アートにおける参加・関係・政治性をめぐる主要な争点を整理する。この枠組みに基づき、本稿は社会参加型アートにおける「審美」「倫理」といった概念を再検討し、これらの実践が審美と社会的効果の均衡を試みる過程において、なお「愚鈍化（stultification）」の関係を生成しうることを分析する。ビショップの敵対性の美学およびケスターの対話型アートが、理論上はランシエールの反愚鈍化の立場と一定の重なりをもつにもかかわらず、実践の次元では観客を再び「導かれる」位置へと置き戻し、その結果として愚鈍化関係を再生産しうる点を指摘する。さらに本稿は、問題の所在が方法論の選択や運用上の失敗に尽きるのではなく、制作の当初において芸術家が他者との関係をどのように予め想定しているかという「制作の姿勢」の段階で、愚鈍化の構造がすでに形成されうることを明らかにする。この点を検討するために、本稿はハルトムート・ローザの「共鳴」理論を導入し、ランシエールの愚鈍化概念を再考することで、社会参加型アートの諸戦略が無意識のうちに、目標・効率・制御を志向する現代社会の上昇ロジックに加担してしまう過程を分析する。以上を踏まえ、本稿は後藤朋美の《あなたは私の希望 あなたはあなた自身の希望》（2009–）を参照し、「自己敵対」と「放棄」を核とする制作の姿勢を、社会参加型アートが方法論的に愚鈍化へと陥る以前の別の可能性として提示する。最後に、宋冬の《物尽其用（Waste Not）》（2005）および《抚摸父亲（Touching My Father）》（1997–2011）を参照しつつ、筆者自身の《Routine Inspection》から《Can’t Fly Me to the Sky》に至る制作上の変化をあわせて検討することで、芸術実践が私的文脈から出発し、非制御的な状態において共鳴を喚起することによって、社会へ関与するもう一つの経路を開きうる可能性を論じる。

Since the 1990s, Socially Engaged Art (SEA) has expanded globally and developed a wide range of practices, ranging from confrontation and reenactment to community collaboration, dialogue, and transpedagogical practices. Against the background of this socalled “social turn” in contemporary art, this thesis takes the theoretical debates among Nicolas Bourriaud’s Relational Aesthetics, Claire Bishop’s Antagonistic Aesthetics, and Grant H. Kester’s Dialogical Art as its point of departure, in order to examine key controversies surrounding participation, relationality, and politics within contemporary socially engaged art.Building on this framework, the thesis further examines core concepts such as “aesthetics” and “ethics” in socially engaged art, analyzing how these practices, even while attempting to balance aesthetic experience and social effects, may nonetheless generate relations of stultification. It argues that although Bishop’s antagonistic aesthetics and Kester’s dialogical art overlap to a certain extent with Jacques Rancière’s theoretical position against stultification, at the level of practice, they may still reposition participants in roles that are evaluated, guided, or pre-structured, thereby potentially reproducing stultifying relations. Furthermore, this thesis contends that the problem does not lie solely in methodological choices or operational failures, but rather emerges at the level of the initial “stance of making,” in which artists preconfigure their relationships with others. At this stage, structures of stultification may already be implicitly formed. In response to this issue, the thesis introduces Hartmut Rosa’s theory of resonance and reconsiders Rancière’s concept of stultification, analyzing how various strategies of socially engaged art may unintentionally enter into complicity with the contemporary social logic of acceleration oriented toward goals, efficiency, and control. On this basis, the thesis examines Tomomi Gotō’s work You Are My Hope You Are Your Own Hope (2009–) as a case study, proposing a stance of making centered on “self-antagonism” and “withdrawal” as an alternative possibility prior to socially engaged art’s methodological entanglement with stultification. Finally, by referring to Song Dong’s Waste Not (2005) and Touching My Father (1997–2011), and by tracing the author’s own artistic trajectory from Routine Inspection to Can’t Fly Me to the Sky, this thesis explores how artistic practice can begin from a private context and, through a non-controlling mode of engagement, evoke resonance and thereby open up another path for engaging with society.